Dans une démarche ancrée dans la pensée écologique, Anaïs Tondeur est engagée dans une pratique interdisciplinaire par laquelle elle explore de nouvelles manières de raconter le monde, porteuses de transformations de notre relation aux autres du vivant et aux grands cycles de la terre.

Composant une forme de laboratoire des attentions, elle développe ainsi un travail par l’enquête et la fiction, présentées sous forme de marches, d’installations, de photographies ou de protocoles associés à l’alchimie.

Nombres de ses projets naissent ainsi de rencontres, occurrences sensibles avec un élément, un territoire ou d’autres formes de connaissances et de perceptions du monde. Par conséquent, elle affectionne la pratique de l’enquête qui conduit à un état d’ouverture et d’attention amplifiées.  Que ce soit sur les traces de phénomènes réels ou d’éléments et de personnages spéculés, ces sujets pistés deviennent des guides vers des mondes qui seraient autrement inaccessibles à nos perceptions.

Ses protocoles de recherche la conduisent à des expéditions de l’autre côté de l’océan Atlantique, aux frontières entre les plaques tectoniques, dans la zone d’exclusion de Tchernobyl, sous la surface de Paris, dans les sols urbains pollués ou sous le flux atmosphérique de particules anthropiques. Mais lorsqu’elle ne peut accéder aux territoires de ses investigations, elle crée des véhicules fictifs, se déplaçant pour elle. C’est ainsi qu’elle a envoyé un rêve dans l’espace à bord d’Osiris Rex, un vaisseau spatial de la NASA.

Diplômée de la Central Saint Martin en 2008 et du Royal College of Arts en 2010 à Londres, lauréate du Prix Art of Change 21 et récipiendaire de la Mention d’honneur Cyber Arts, Ars Electronica en 2019, elle a présenté et exposé son travail dans des institutions internationales telles que le Centre Pompidou, la Gaîté Lyrique, le Frac Provence-Alpes- Côte d’Azur, le Frac Grand Large, la Serpentines Galleries (Londres), Bozar (Bruxelles), la Biennale Di Venezia, Pavillon Français ou encore le Nam June Paik Art Center (Seoul).

Pour cela, sa démarche s’inscrit dans une pratique interdisciplinaire, collaborant avec des anthropologues et philosophes du vivant, géologues et mathématiciens, bio-généticiens et écologues, océanographes et astronomes dans le cadre de résidences d’artistes ou d’immersions dans des laboratoires scientifiques.  

Dmitry a grandi au nord de Moscou dans un village industriel, il écrit à 16 ans un article pour un journal local sur ses amis qui consomment de l’héroïne, et découvre ainsi sa passion pour le journalisme. Il étudie ensuite la philologie mais quitte l’université en troisième année pour un poste de journaliste à plein temps. Il travaillera pendant quatre ans pour l’hebdomadaire russe Argumenty i Facty.

Il quitte ensuite sa ville natale pour un village près de Pskov, une petite ville russe à 12 km de l’Estonie, où il travaillera pendant huit ans en tant qu’éducateur au sein d’un orphelinat pour handicapés dont il raconte le quotidien sur son blog. En 2009, il lance un projet de village d’enfants.

En 2013, Dmitry ouvre son compte Instagram, sans prétention, cependant il acquiert très vite une grande notoriété. Tout a changé lorsqu’il participe au projet « Burn Diary », pour lequel il a photographié la vie quotidienne de la ville de Pskov. Il est pour cela récompensé par de nombreux prix et récompenses photographiques.

En 2015, Dmitry Markov reçoit une bourse de la part de Getty Images et Instagram pour son activité de photographe documentaire, lui permettant ainsi de continuer de documenter sur les laissés pour compte du système.

En 2016, il est le premier Russe à participer au concours de photographie d’Apple dédié aux iPhones, de ce fait, il est choisi par Apple pour leur campagne publicitaire Pris avec un iPhone. Cette même année, il est le gagnant du Grand Prix Silver Camera et du prix du photographe militant philanthropique.

Dmitry Markov montre dans son flux de photos quotidiennes, tel un miroir, la vie dans toute sa dureté, des populations en Russie qui passent sous les radars, avec lesquelles il vit et travaille. Il dresse un portrait peu flatteur mais réaliste des habitants des provinces du pays.

Il s’est lancé tardivement dans la photographie, en revanche cette activité a su rapidement devenir un partenaire, un compagnon de route, dans tous les « hauts et les bas » de sa vie.

Dmitry est un homme qui utilise consciemment la photographie : pour témoigner, bien sûr, mais aussi pour son propre bien, car il est suffisamment honnête pour nous faire partager ses contradictions et ses faiblesses. L’activisme de l’artiste imprègne profondément son travail, certaines de ses photographies mettant en scène des enfants et adolescents des orphelinats dans lesquels il était bénévole.

Il dévore le monde de ses yeux, pour tenter d’y trouver sa propre place, et réussit, grâce à la force de ses clichés, à nous embarquer dans son histoire. Il regarde ses sujets comme il se regarde lui-même, sans aucune condescendance ni aucun jugement moral.

Sa pratique consiste à documenter des scènes avec son iPhone, puis à les partager sur son populaire compte Instagram où il décrit sa vie d’homme de son temps. Dmitry Markov capture souvent des moments intimes et légers partagés entre des amis et des inconnus, mettant en valeur leur humanité. Il crée au fil du temps un autoportrait à multifacette et cherche sa propre identité à travers la présence des autres.

Le 2 février 2021, alors qu’il proteste devant le tribunal municipal de Moscou, où comparait l’activiste russe Alexeï Navalny, Dmitry Markov est arrêté par la police. Au cours de sa garde à vue, il prend une photo qui deviendra virale par sa diffusion sur son compte Instagram, suivi aujourd’hui par plus de 839 000 abonnés.

Lorsque Dmitry ne photographie pas, il fait du bénévolat dans le domaine social.

MAYCO NAING est une figure importante de la photographie asiatique, elle est née en Birmanie en 1984 et réside aujourd’hui en France.

Mayco s’est formée à la photographie alors que les universités étaient fermées par les militaires, en obtenant un emploi dans un studio photos pour 3$ par mois. Elle est désormais une photographe et une formatrice reconnue et a activement participé à toutes les sessions du Yangon Photo Festival en tant qu’organisatrice.

Elle a reçu plusieurs prix pour son travail personnel et a exposé à l’étranger.

Mayco Naing est une artiste photographe connue pour sa série de portraits intitulée Identity of Fear (Identité de la peur), qui capte l’esprit du temps de la génération birmane née à l’époque de la révolution de 1988.

Elle reçoit peu d’éducation, des valeurs conservatrices et elle atteint sa majorité sous un régime militaire répressif. S’appuyant sur sa liberté d’expression retrouvée et sur le désir de partager son expérience, Mayco espère pouvoir former un maximum d’artistes et de photojournalistes citoyens, notamment dans les régions où les minorités ethniques sont encore confrontées à des conflits armés.

Pour elle, l’art est non seulement un moyen d’expression avec lequel elle questionne l’état de la société Birmane, mais aussi un outil pour faire évoluer la place de la femme dans la société. Au coup d’état du 1er février 2021, Mayco est tout de suite descendue dans la rue pour photographier la population sur les barricades. Pour avoir exercé son travail de photojournaliste, Mayco et ses camarades ont été poursuivis par la junte militaire. Beaucoup ont été arrêtés, d’autres sont en fuite, Mayco est accueillie en résidence d’artistes, loin de son pays et de ses proches.

ISABELLE HA EAV est une artiste française d’origine sino-hispanique, elle vit à Marseille.

Isabelle Ha Eav s’est formée à la gravure puis à la photographie, notamment à l’Ecole nationale de la photographie d’Arles.

Dans ses images, elle explore les notions de présence et d’absence, d’empreinte, d’effacement et de disparition. Elle travaille avec l’histoire de la photographie, en explorant la matérialité de l’image. Cela se traduit par des expérimentations contemporaines, en dialogue avec l’usage de techniques anciennes, dont celle de la gomme bichromatée.

Cette technique, inventée au milieu du XIXe siècle, mêle les procédés de la photographie et de la peinture, avec l’utilisation de pigments, pinceaux et brosses. La photographie se forme après l’assemblage de plusieurs couches d’émulsion, ce qui permet d’obtenir des images d’une densité et d’une profondeur très particulière.   

Mêlant photographies, sculptures et expériences du support photographique, le travail d’Isabelle Ha Eav interroge les interactions du corps aux espaces, que ce soit un espace d’habitat, de transition, ou un non-lieu. Dans une dialectique entre le visible et le non-visible, l’image dialogue avec sa matérialité par différentes expériences du médium photographique.

Son travail a récemment été exposé lors du Yangon Photo Festival 2020, du Taïnan International Foto Festival 2019, et des Rencontres de la Jeune Photographie Internationale 2018. Il a également été sélectionné pour le Human Photographic Prize 2020, le Prix Voies Off, le Prix QPN et le Prix Talents Contemporains de la Fondation François Schneider.

Elle effectue par la suite une résidence artistique au Musée Camille Claudel.

PRINTEMPS BIRMAN présente 14 poètes birmans et rohingyas ainsi que 6 photographes, tous exilés, emprisonnés ou assassinés par les militaires depuis le coup d’État de février 2021. Leurs œuvres sont des témoignages traversés d’étonnement, de colère et de détermination. Préfacé par la romancière Wendy Law-Yone et dirigé par Mayco Naing et Isabelle Ha Eav, cet ouvrage entend donner voix aux poètes et photographes qui participent ou ont participé au mouvement de résistance civile connu comme “Myanmar Spring”, sévèrement réprimé par la Junte au pouvoir.

Printemps Birman a été publié en février 2022 par la maison d’édition marseillaise Héliotropismes.

Gabrielle Duplantier étudie les arts plastiques et l’histoire de l’art à la faculté de Bordeaux. La photographie, qu’elle pratique depuis son plus jeune âge, n’est alors qu’un passe-temps.

Une fois son diplôme obtenu, elle décide de se mettre à son compte et s’installe à Paris où elle travaille comme assistante de photographes ou comme photographe de plateau.

En 2002, Gabrielle retourne vivre au Pays basque. Elle est inspirée par ce lieu aussi beau que fascinant et entreprend la réalisation d’une série d’images où les paysages, les personnes et les animaux, sont capturés dans des photographies de style impressionniste.

L’univers photographique de Gabrielle Duplantier semble volontairement détaché de la réalité temporelle ou sociale. Ainsi, ses sujets ne sont pas vraiment thématiques, elle est à la recherche de belles images qui existent en elles-mêmes, en dehors de tout contexte.

Entre les prises de vue « accidentelles » et ses expérimentations en chambre noire, il faut du temps pour que se développe son propre style photographique, inspiré des peintres, un univers essentiellement féminin et intimiste qui montre la magie de l’ordinaire, avec un traitement sombre du noir et blanc.

En même temps que ses diverses collaborations avec la presse, les éditeurs ou encore les musiciens, Gabrielle Duplantier poursuit son travail personnel sur le portrait féminin, l’un de ses sujets de prédilection. Une autre de ses sources d’inspiration est le Portugal, son pays d’origine, dans lequel elle se rend régulièrement.

Son travail fait l’objet de nombreuses expositions et publications en France et à l’étranger. Elle a publié divers ouvrages, tels que Chapelles du Pays basque et La mer console de toutes les laideurs avec l’écrivain Marie Darrieussecq aux Editions Cairn, Les enfants d’ici aux Editions Lezards qui bougent, puis en 2014 Volta (signifiant « retour » en portugais) suivi de Terres Basses en 2018, tous deux aux Editions Lamaindonne.

En 2012, Gabrielle Duplantier apparaît dans MONO, édité par Gomma books, monographie des meilleurs photographes noir et blanc contemporains aux côtés d’artistes tels que Michael Ackerman, Trent Parke, Anders Petersen, ou Roger Ballen.

Elle collabore également au collectif Temps Zéro, un projet artistique collectif associant du son à des images photographiques ou filmiques.

Gabrielle Duplantier est aujourd’hui représentée par la Galerie 127.

En 1984, il rentre à l’Ecole Nationale Supérieure des Arts Décoratifs de Paris, dans le but de devenir dessinateur de presse. Cependant, l’année suivante, un voyage à Bornéo au cours duquel il partage son quotidien avec les Punans, les derniers nomades de la jungle, change radicalement le cours de sa vie.

Artiste sédentaire, il devient alors un observateur nomade, et la photographie devient son moyen d’expression. Encore étudiant aux Arts décoratifs de Paris, il effectue de longs séjours répétés dans la jungle des Philippines avec les Palawans. Il vivra au total avec eux plus de quatre ans.

Une première partie de son travail sur les Palawans est présentée au festival photographique “Les Rencontres Internationales de la Photographie d’Arles” en 1988.

Pierre de Vallombreuse a été secrétaire général de l’Association Anthropologie et Photographie (Université Paris VII) créée par Edgar Morin, Emmanuel Garrigues, et Jean Malaurie. Il publie une quinzaine de livres et expose son travail dans des festivals, des musées et des galeries. Il collabore régulièrement avec de grands magazines internationaux tels que Newsweek, El Mundo, El País, La Stampa, Le Monde, GEO, Photo Answers, Figaro Magazine, L’Oeil de la Photographie et Camera International.

Depuis 1986, Pierre témoigne sans relâche de la vie des peuples indigènes dans le monde. Chacun de ces peuples que l’on nomme également peuple racine, témoigne de la diversité des réponses aux conditions de vie imposées par la nature et l’histoire.

Pierre de Vallombreuse nous fait découvrir la réalité complexe du mode de vie de ces peuples fragilisés dont l’héritage nous est essentiel, et se bat pour leur respect et leur juste représentation.

Son travail est comme un cri d’alarme. Il est structuré autour de grands projets se déroulant sur plusieurs années : Peuples, Hommes racines, Souverains, Badjao – une disparition silencieuse, La Vallée, W. Project USA. Leur but est d’alerter le public sur le sort de ces populations, car loin de la réalité primitive exotique et archaïque véhiculée autour d’eux, la réalité qu’il nous montre à travers la photographie est bien différente : c’est un combat pour leur survie.

Ces populations sont en effet bien trop souvent les premières victimes des génocides, des guerres, des idéologies racistes, de la prédation économique, des pénuries alimentaires et des catastrophes écologiques. Autant de questions cruciales qui, loin de se limiter à ces territoires plus ou moins éloignés, concernent notre humanité.

En 30 ans, Pierre de Vallombreuse constitue un fond photographique unique de 130 000 photographies sur 43 peuples autochtones dans le monde entier, qui rend hommage à cette diversité culturelle et fait découvrir la réalité de ces peuples.

Son père étant photographe, elle se passionne à son tour pour la photographie dès sa jeunesse. Rêvant de devenir militaire, elle obtient une maîtrise de droit avec l’espoir de passer les concours d’officier. Mais elle choisit finalement de s’orienter vers la photographie et part suivre une formation à Londres.

Sa première expérience de terrain se fait en Afghanistan. C’est le journal dans lequel elle effectue son stage de fin d’étude, le Lincolnshire Echo, qui l’envoie sur place.

Elle y travaille pendant trois ans et, depuis 2006, elle couvre des sujets dans le monde entier, notamment en Irak, au Liban, en Israël, au Cachemire, au Cameroun, au Guatemala, en Ouganda, au Mali, en Chine, en Haïti et dans d’autres pays encore.

Véronique accepte courageusement ces missions difficiles et développe également ses projets personnels dans certains des endroits les plus dangereux de la planète. Elle travaille régulièrement avec son amie, Manon Quérouil-Bruneel, journaliste française.

Manon Quérouil-Bruneel et Véronique de Viguerie se répartissent les tâches : tandis que Manon est à l’écriture, Véronique est à la photographie. Ensemble, elles montent leurs reportages et parcourent le monde à la recherche de nouveaux sujets. Elles se sont entre autres rendues ensemble en Syrie, en Irak, en Afghanistan, au Nigeria, en Egypte, au Brésil ainsi qu’au Yémen.

Le travail de Véronique est régulièrement publié dans Paris-Match, le New-York Times Magazine, Newsweek, El Pais, Stern, Der Spiegel, Figaro Magazine, Geo, Marie-Claire, Mail on Sunday, the Guardian, l’Optimum. Elle a été particulièrement remarquée pour avoir photographié les Talibans en Afghanistan, les Pirates en Somalie, les Pirates du pétrole au Nigeria et les femmes tueuses, nommées Sicaraias en Colombie, ainsi que le Mouvement National de Libération de l’Azawad au Mali.

En 2006, elle publie son premier livre avec Marie Bourreau, Afghanistan, Regards Croisés publié par Hachette.

En été 2008, Véronique réalise un reportage pour Paris Match en Afghanistan, qui créé une polémique. En effet, alors qu’elle se trouvait avec un groupe de talibans, ceux-ci tendent une embuscade à un détachement de l’armée française et en tuent dix d’entre eux. Véronique revendique l’intégrité de son travail de journaliste.

Elle poursuit en automne avec un reportage sur les pirates en Somalie, réalisé au moment où le sujet commençait à prendre de l’ampleur dans le monde entier. Son projet sur les pirates a été publié dans plus de 40 titres à travers le monde, dans plus de 20 pays.

Véronique documente différents sujets tels que la piraterie pétrolière au Nigeria, la crise humanitaire en Afghanistan, le groupe de défense des droits des femmes FEMEN, la chasse à la LRA (Lord’s Resistance Army) le travail médico-légal sur les fosses communes en Abkhazie ou encore les mines terrestres dans les Balkans. Elle effectue également un travail de documentation sur les mercenaires occidentaux rejoignant les forces kurdes en Irak dans leur lutte contre l’État islamique.

En 2011, Véronique de Viguerie et Manon Quérouil-Bruneel, publient leur carnet de voyage Carnets de reportages du XXIe siècle aux Editions Verlhac, suivi d’un second en 2015 intitulé Profession reporters : Deux baroudeuses en terrain miné publié chez La Martinière.

En 2012, Véronique est choisie par HBO pour être l’une des trois photographes à faire partie du programme Witness pour son travail sur les Arrow Boys au Soudan du Sud.

En 2019 Reporters sans frontières publie son 60^ème numéro  100 photos pour la liberté de la presse  dédié à Véronique de Viguerie, pour mettre en avant les risques encourus par les journalistes.

Cette même année, elle publie de nouveau avec Manon Quérouil-Bruneel Yémen, la guerre qu’on nous cache aux Editions Images Plurielles et l’année suivante  Irak Insh’allah  aux mêmes éditions.

Elle commence sa carrière en tant qu’assistante opérateur sur des longs métrages tels que Ixcanul de Jayro Bustamante, qui reçoit le prestigieux prix Ours d’argent au Festival de Berlin 2015. En 2018, le film Las herederas de Marcello Martinessi auquel elle contribue, reçoit également le prix Ours d’argent Festival de Berlin.

Parallèlement à son parcours dans le cinéma, elle développe plusieurs projets photographiques et vidéos. Elle participe notamment aux workshops organisés par la galerie Void avec Antoine d’Agata et la maison d’édition Akina avec Kladvij Sluban.

Sensible aux fêlures que traverse notre société, Céline Croze utilise les codes cinématographiques pour montrer une histoire, transgresser le monde qui l’entoure et s’immiscer dans la faille de ceux qu’elle regarde.

Chaque projet photographique ressemble à une histoire humaine. Les paysages sombres et granuleux, les corps humains sous-éclairés ou les gros plans légèrement inconfortables sont le résultat de décisions instinctives. Quand elle photographie, Céline suit son instinct animal qui frôle l’urgence et le danger. Ses images capturent les résidus de moments, essayent de ressentir la chair humaine et esquissent les visages de la blessure ou de la violence. Pour chaque projet, Céline Croze veut se rapprocher le plus possible et capturer l’atmosphère d’un moment donné.

Pour Céline Croze, une série photographique peut être déclenchée par la moindre observation, le moindre écrit ou la moindre rencontre. Pour Les Purs, elle s’est inspirée d’un rêve récurrent où elle se sentait entourée d’eau et en danger. Dans le cas de Nothing Happened, l’histoire visuelle a été associée à deux poèmes touchants.

En nommant sa série SQEVNV, Céline rend hommage à ce jeune garçon rencontré sur le toit d’un immeuble. Elle retient ces mots qui resteront gravés dans sa mémoire « Siempre que estemos vivos nos veremos», Tant que nous serons en vie, nous nous verrons.

Sa photographie mystique, inspirée de l’image en mouvement et de l’esthétique cinématographique, introduit le spectateur dans un monde caché, au-delà de ce qui peut être vu ou expérimenté.

Ses différents travaux en tant que photographe et vidéaste ont été présentés aux Rencontres Internationales de la Photographie de Fès, au Billboard Festival de Casablanca, à la Biennale de Marrakech et du Paraguay, au festival de Kassel, au Fuam d’Istanbul et à la Fondation de la Photographie de Tanger.

En 2019 Céline Croze est la lauréate du Festival In Cadaqués avec SQEVNV.

En 2020, elle est sélectionnée parmi 100 photographes européens émergents par le magazine Gup et Fresh Eyes Photo Talent 2020 (livre publié en juillet 2020).

La même année, elle obtient le prix révélation du festival MAP et du festival Face à la Mer avec cette même série. Elle est également lauréate du prix Mentor avec son projet Mala Madre.

Son travail ‘Nothing Hapenned’ est exposé en avril 2021 aux Rencontres de la jeune photographie internationale de Niort (Villa Perochon). Elle a également été sélectionnée par Claudio Composti pour le Leica Oscar Barnack, et elle est l’une des lauréates du Tremplin Jeunes Talents du Festival Planches Contact à Deauville 2021.

Cette même année, elle est aussi l’une des finalistes du prix HSBC 2021 avec ” SQEVNV ” et l’exposera en avril au Festival Instantes au Portugal.

En juin 2022 elle expose SQEVNV, Siempre que estemos vivos nos veremos à la Galerie Sit Down.

DEMARCHE ARTISTIQUE

« Cela commence toujours par montrer une histoire. S’immiscer dans la faille. S’effacer et trouver le temps du monde. Il y a cette pulsion animale qui frôle l’urgence et berce le danger. Récolter les résidus de l’action, toucher l’Homme, esquisser les visages de la blessure ou de la violence, être au plus prêt et n’en sortir que la matière.

Il y a l’imminence, le corps en territoire, l’immersion dans des temps lointains et inconnus mais frappants à notre seuil.

Je tire de mon expérience en cinéma et en écriture de fiction une vision du monde caché, au-delà des limites que nous vivons et que nous voyons. »

Céline Croze

D’un père égyptien et d’une mère française, Édouard Elias a vécu dix ans en Égypte à Charm el-Cheikh. En 2009, il revient en France pour entamer des études de commerce, il vit chez ses grands-parents qui lui font « regarder des documentaires sur Arte. »

Il se tourne finalement vers la photographie qu’il étudie à l’École de Condé à Nancy, et se passionne pour la photographie de guerre, inspiré par Yuri Kozyrev, un reporter de guerre russe connu pour ses reportages en Tchétchénie et en Irak.

Encore étudiant et sans aucune commande en poche, il part en août 2012 pour un reportage dans les camps de réfugiés syriens en Turquie, puis en Syrie. À son retour, il montre ses photos sur l’offensive des rebelles à Alep à des photographes rencontrés au festival Visa pour l’image à Perpignan. L’agence Getty le recrute et publie son reportage sur  Le Martyre d’Alep dans Paris Match, Der Spiegel et le Sunday Times. Il décide alors d’arrêter ses études.

Le 6 juin 2013, alors qu’il se trouve au nord d’Alep pour son quatrième reportage, Édouard Elias est pris en otage par l’Etat Islamique avec Didier François, grand reporter à Europe 1. Il sera libéré en avril 2014 après onze mois de captivité.

Il couvre ensuite pour les plus grands médias nationaux différents lieux de crise et de combats. En mars 2016, il fait une immersion dans les sauvetages de réfugiés en Méditerranée, en embarquant sur l’Aquarius, un bateau humanitaire affrété par l’Organisation non gouvernementale SOS Méditerranée, pour secourir les migrants naufragés en mer.

Il traite également de la fuite de populations civiles autour du lac Tchad lors des exactions de Boko Haram, de l’hôpital du docteur Mukwege (prix Nobel de la paix 2018 en république Démocratique du Congo), des centres éducatifs fermés pour jeunes délinquants en France. Et dernièrement, il a réalisé un travail sur deux tranchées ennemies, face à face, dans le Donbass, à l’est de l’Ukraine.

Autant préoccupé par le récit recueilli auprès du sujet que par la perception de celui-ci par le public, il explore tous les procédés lui permettant de créer un lien autre que simplement informatif autour de ses histoires.

Son approche se dirige vers une méthodologie lente, où l’intimité avec son sujet crée une pratique immersive de sa photographie, au plus proche des histoires afin de ne pas témoigner seulement d’un contexte mais aussi d’émotions.

Depuis 2016 il collabore avec Fanny Boucher, maitre d’art en héliogravure. Ainsi, munis de presses taille-douce, ils sillonnent la France autour de projets éducatifs auprès des jeunes générations.

Ses images ont été exposées entre autres au Centre National des Arts et Métiers, à la Mairie de Paris, au site du Pont du Gard, au festival des libertés à Bruxelles et au Musée National de Chine à Pékin. Elles ont également été accueillies à la galerie Polka à Paris, au Grand Palais, à la Fondation Michelangelo à Venise ainsi qu’à la London Craft Week.

Son travail sur la Légion étrangère ainsi que son sujet sur la guerre de tranchées en Ukraine ont été acquis par le Musée de l’Armée des Invalides pour leur fond photographique.

Pour son travail, Édouard a reçu le Prix visa d’or Remi Ochlik à Visa Pour L’image, ainsi que le prix Sergent Vermeille, qui récompense des photographes civils et militaires, partis en mission avec l’armée française.

Il a également été reçu au World Press Photo Masterclass, et a été sélectionné trois fois au prix Bayeux Calvados-Normandie des correspondants de guerre, qui rend hommage aux journalistes qui exercent leur métier dans des conditions périlleuses pour permettre d’accéder à une information libre.

Édouard Elias est représenté par la galerie Polka.

Après des études de photographie au Collège Dawson, elle affirme son écriture documentaire en abordant des sujets au long cours au Nicaragua de 2014 à 2015, puis entre le Cameroun et la République Centrafricaine de 2015 à 2021.

Ses thématiques de prédilection se situent à la lisière entre le visible et l’invisible, espérant rendre aux situations qu’elle aborde la complexité qui peut permettre de s’y confronter de façon honnête et empathique. Identité, santé mentale, droits humains et environnement s’entrelacent dans ses projets, qui rendent compte de la réalité crue du monde. Pour Adrienne, la photographie est un engagement social sans concession.

Ses travaux sont publiés dans de nombreux médias internationaux, dont le Washington Post, Time, The Guardian, Le Monde, Le Monde diplomatique, Al Jazeera ou encore The New Humanitarian.

Adrienne Surprenant travaille également pour Médecins sans frontières, Greenpeace et le HCR (Haut-Commissariat des Nations unies pour les réfugiés).

Ses séries sont exposés au Canada, en France à Visa pour l’image en 2015 et en Angleterre. Elle est boursière de la National Geographic Society, du Wellcome Trust, de la SCAM (Société civile des auteurs multimédia) et de l’International Women’s Media Foundation.

Elle a également suivi deux formations HEFAT (Hostile Environment First Aid Training) depuis 2017.

Adrienne rejoint cette année l’agence de photographes MYOP, spécialisée dans la photographie documentaire et le photo-reportage.